玩二次元摄影这些年，其实一直在跟构图较劲。特别是漫展场照的拍摄，很容易被现场的环境和模特的瞬间表现带跑偏。以前看自己拍的片子，总觉得画面不歪一点就没有那种张力，甚至到了“不歪不舒服斯基”的地步，大片大片的对角线构图、严重的仰拍俯拍，觉得那样才有氛围感和动势。
但慢慢经过一阵子回看和整理，发现用力过猛反而是种干扰。最近给自己定了个小目标：把CMOS正过来拍，感受一下“正的发邪”的视觉体验。其实拍漫展，特别是拍场照，最容易忽略的就是建筑结构的横平竖直，展馆里那些复杂的吊顶灯排、后方杂乱的背景人群，只要机身一歪，画面就会产生明显的失衡感，这让原本想突出的人物也变得不够稳定。尤其是漫展这种比较热闹的背景，如果不把水平线校准，很容易让照片显得杂乱无章。
比如三组图里，九宫格那几张在舞台高台上拍的，因为T台本身具有一定的透视收缩，加上现场打的光非常硬，画面很亮，所以稍微倾斜一点确实能增强那种“瞬间定格”的动感，像那些抬腿和伸手的动作，倾斜构图恰好填补了静止画面的张力。再看那张举黑伞的特写，因为是更紧凑的半身，如果此时构图再失去平衡，视线就容易被锐利的角度割裂，最后我采用了相对稳定的中线构图，尽量让前景的伞柄和人物的视线形成一种隔空对话的延展感，反而比歪着拍看起来更有故事性。
重点还是说回那张红裙全身照。这套红裙真的是当天的视觉焦点，亮片材质在展馆混合光源下会反射出星星点点的光，配上脖颈处的细项链和那条高开叉的裙摆，整体有一种非常轻盈的高级质感。如果用广角或者大斜角去拍，虽然腿会显得更长，但容易把本来就很细长的裙摆轮廓裁切变形，透视关系也会让开叉角度变得生硬，失去那份自然的垂坠美。正着拍，并且配合相对平视或者微低一点的机位，不仅老老实实保住了人物肢体和衣服的裁切线，高跟凉鞋和腿部线条的延伸感也能得到最自然的保留，把整件裙子的气场稳稳撑了起来。
所以我现在觉得，构图歪不歪其实从来不是绝对对错，关键在于要不要“瞎歪”。如果是想要刻意强调某种运动状态、表达一种打破常规的鲜活感，像组图里那些高踢腿、跨步的动作，歪构图完全没问题，能起到锦上添花的作用。但如果本身就是需要展现服装细节、质感或者优雅仪态的，特别是像图2这种设计感很强的长裙，我还是更倾向于把相机端平。正构图和准确的水平线，能帮助观者的视线更集中地落在人物的面部神态、服饰的材质纹理和造型细节上。
漫展拍摄有很多不可控的因素，光线、背景人群、时间限制都要求摄影师快速做出决定。当你不确定怎么构图时，先确保水平线端正，把主体放在画面中间或者黄金分割线附近，通常就是一个很难出错的保底方案。明白自己为何要歪、歪了之后画面表达是什么样的，这才是摄影的成长。我也还在慢慢摸索，从以前不歪不舒服，到现在能根据片子的需求灵活切换。摄影就是这样，一点一滴调整细节，最后出来的成片自己看着舒服最重要。